Kommende udstilling Kettinge

Entdeckungen 2017

Albrecht Wild (DE) Amanda Karlsson (SE) Anna M. Kempe (DE) Christina Tzani (GR) Chloe Grove (GB) Elham Rahmati (IR) Jean-Baptiste Monnin (FR) Katalin Kortmann (HU) Lutz Hellmuth (DE) Raquel Algaba (ES)

PAINTINGS | MIXED MEDIA | DRAWINGS | SCULPTURES |

Albrecht Wild

Albrecht Wild (DE)

Christina Tzani (GR)

Lutz Hellmuth (DE)

Amanda Karlsson

Amanda Karlsson (S)

Elham Rahmati (IR)

Elham Rahmati (IR)

Raquel Algaba (ES)

 

Anna M. Kempe (DE)

Anna M. Kempe (DE)

Jean-Baptiste Monnin (FR)

Jean-Baptiste Monnin (FR)

 

Chloe Grove (GB)

Chloe Grove (GB)

Katalin Kortmann (HU)

Auch in diesem Jahr haben wir neue und aufregende Künstler in Berlin gefunden. Über einen längeren Zeitraum  haben wir uns mit hervorragenden Zeichnern in Berlin beschäftigt und fokusieren unsere diesjährige Ausstellung auf diese Technik . Natürlich sind auch andere Medien vertreten

Künstler wie englische Chloe Grove, mit ihren erstaunlichen Farbstiftzeichnungen und der Franzose Jean-Baptiste Monnin mit seinen abstrahierten  Gebäuden und Raquel Algaba, die mit großer Finesse Absurditäten porträtiert sorgen für die hohe Qualität unserer Ausstellung.

Deutscher Lutz Hellmuth, der mit seinen Terrakotta- und Bronze-Skulpturen uns seine klassischen Skulpturen aufs neue vermittelt.

Griechische Christina Tzanias anspruchsvolle Aquarelle und die träumende Wirklichkeit von Anna M. Kempe ergänzen die Ausstellung hervorragend. Die dreidimensionalen Bilder des konzeptionellen deutschen Künstlers Albrecht Wild und der ungarischen Katalin Kortmann  laden den Betrachter zum spielerischen Verweilen ein. Die iranische Elham Rahmati- zeigt zarte Tuschzeichnungen und das wunderschöne Ölbild der schwedischen Amanda Karlsson untersuchen die menschliche Identität.

Jeder Künstler/in hat eine besondere Verbindung zu den nordischen Ländern und der Berliner Kunstszene, wo sie entweder gearbeitet oder ihren Wohnsitz haben. In Opdagelser debütieren die Mehrzahl der Künstler in Dänemark und ihre Anwesenheit auf der Insel Lolland-Falster wird einen eindrucksvollen Beitrag zur regionalen und nationalen Kunstszene leisten.

Regionale Verankerung

Mit der Ausstellung hoffen wir, den Bürgern auf Lolland Falster und in der Region, ein interkulturelles und künstlerisches Erlebnis mit internationalen Künstlern, die vielleicht schon auf dem Weg zur internationalen Kunstszene sind, anbieten zu können. Diese Künstler besuchen unsere Region weil sie unser Ausstellungskonzept anspricht und sie gerne mit Inspiration zum Kulturaustausch beitragen möchten, sowohl zwischen den Künstlern als auch zum Dialog mit den Anwohnern und den Besuchern der Region.

Möglichkeiten bei Art Lab Kettinge

Galleri Heike Arndt DK möchte außerdem die neue Initiative Art Lab Kettinge präsentieren. Art Lab ist ein Satellit-Projekt mit einer natürlichen Anbindung an unsere Galerie, die eine Plattform für non-kommerzielle Projekte wie Ausstellungen, Workshops und internationale Residencies mit verschiedenen Partnern anbietet. Der Fokus liegt auf non-profit Aktivitäten und Art Lab Kettinge arbeitet unter anderem daran internationale Sommer-residencies und andere Netzwerk-basierte Aktivitäten zu veranstalten. Mit diesen Bestrebungen hoffen wir die Kunst und das grenzüberschreitende Kulturverständnis in der Region zu fördern, und damit das internationale Profil zu stärken. Art Lab Kettinge steht für die Förderung internationaler künstlerischer Partnerschaften und die Stärkung eines internationalen Profils in der Region.

Grycja (UKR)
Die in Berlin lebende, in Ukranien geborene Künstlerin Grycja arbeitet in verschiedenen Techniken wie Collage, Digital Illustration, Malerei, Video und Objekten. In ihrer jüngsten Serie hat sie eine surrealistische Landschaft geschaffen, in der sich Natur und Mensch auf unheimliche, fast komische Weise treffen. In ihren digitalen Drucken verwendet sie die Technik der Collage und verbindet botanische Strukturen mit menschlichen und tierischen Charakteren. Mit wagemutigen Manipulationen zwischen Kreaturen und Pflanzen versucht Grycja, die Herausforderungen des Lebens zu veranschaulichen.

Ariel Kofman (ARG)
Ariel Kofman wurde in Buenos Aires geboren und unterrichtet Kunst und Grafische Techniker. In seinen Werken vermischt sich der menschliche Körper mit undefinierten architektonischen Figuren, die eine spielerische, aber manchmal desorientierte Landschaft voller politischer Allegorien schaffen. Kofmans Werk ist ein skurriles Porträt der Hektik der heutigen Gesellschaft.

Brandon Williams (US)
Der in den USA geborene Künstler Brandon Williams arbeitet mit Druckgrafik, insbesondere mit Tiefdruck. Er ist besonders fasziniert vom präzises Zeichnen, Detailgenauigkeit und Prozesse. Seine Arbeiten beschäftigen sich mit realen und imaginären Räumen und Themen wie Zeit, Konflikt und Veränderung. Architektonische Landschaften ohne menschliche Präsenz bringen die Aufmerksamkeit auf Texturen und Muster, die einen meditativen Geisteszustand schaffen. Die Werke sind mehrdimensional und können um ihre eigene Achse gedreht werden, und schaffen somit die unterschiedlichsten Räume und Motive, je nach Position. Williams hat sogar seine Arbeit so signiert, dass sie von allen Seiten gesehen werden.

Carolin Weinert (DE)
Die Arbeit der deutschen Künstlerin Carolin Weinert nutzt den Ausdruck historischer Druckgrafik zu aktuellen Themen, die aus unserer digitalisierten Gesellschaft stammen. Ihre Serie Histoire Naturelle entlehnt ihre visuelle Darstellung aus Natur Enzyklopädien und fügt menschliche Figuren hinzu, welche die gewohnte Betrachtungsweise herausfordert. Ihre thematische Aufmerksamkeit konzentriert sich auf eine ironische und fast zynische Reflexion aktueller Gesellschaftsfragen. Weinerts Arbeiten wurden in ganz Europa und in den Vereinigten Staaten ausgestellt.

Casper Johansson (SE)
Casper Johansson ist ein schwedischer Künstler, dessen Werk Bestand oft investigative Druckgrafiken und Zeichnungen beinhaltet. Sein Ansatz und Fokus liegt auf Kontrasten, Einfachheit und Linienführung. Er genießt den arbeitsintensiven Prozess, der Raum für Experimente mit Farben und Techniken lässt, ohne die Integrität des Haupt Konzepts aus den Augen zu verlieren. Seine Verwendung von UV-Licht in Kombination mit Kupferstichen und Motiven aus dem Meer in seiner neuesten Arbeiten lässt seine Werke lebendig und voller Widersprüche erscheinen.

Christian Bolte (DE)
Der deutsche Künstler Christian Bolte arbeitet mit  Malerei und Radierungen. Er bezeichnet sich selbst als Jäger und Sammler und berührt auf subtile Weise den Betrachter mit seinen satirischen und politischen Kommentaren. Historisch gesehen war satirische Kunst ein wichtiger Bestandteil von Massenmedien (zum Beispiel Honoré Daumier und Der Wahre Jacob), und Boltes Werk bezieht sich auf diese humoristische Formsprache, die Gesellschaft zu kommentieren, was seine Werke zeitlos und universell macht.

David Frazer (AUS)
Der australische Künstler David Frazer schafft dunkle,humoristische Holzschnitte. Die Werke sind wild und gleichzeitig melancholisch und die übertriebenen Figuren erinnern an Emil Noldes Masken. Seine manchmal harschen Arbeiten kommentieren aktuelle gesellschaftliche Gewohnheiten wie z.Bsp. die Trinkkultur, bei der sich Menschen mit unterschiedlichsten Lebenssituation über ein Bier treffen, um „gefickt“ zu werden. Frazer ist mit Ausstellungen in ganz Europa, Asien und seinem Heimatland Australien sehr erfolgreich.

Eve Eesmaa (EST)
Eve Esmaa integriert Form und Farbe, verschiedene Materialien und Techniken wie Radierung, Linolschnitt und Typografie in collage ähnlichen Drucken. Die Materialien werden zu spielerischen Arbeiten kombiniert, in denen sich abstrakte Formen mit Texturen und gegenständlichen Frauenfiguren vermischen. Die Arbeiten sind zart und setzen das Papier ebenfalls als einen wichtigen Teil ihres Ausdrucks um.

Ricardo Pinto (MEX)
Das Werk des mexikanischen Künstlers Ricardo Pinto hat eine architektonische Qualität, in der sich klare Perspektiven und präzise Linien mit warmen, feurigen Farben vermischen. Seine Arbeit reicht von intuitiven Ansätzen bis hin zu strukturierten Prozessen. Labyrinthische Räume und Oberflächen entfalten sich in seinen hypnotisierenden Arbeiten in einem nie endenden Raum, und er lässt den Betrachter seinen Weg für sich finden.

Janne Laine (FI)
Janne Laine verwendet Fotografie und Intaglio, um wunderschöne Bilder eines verzauberten Reichs zu schaffen.Indem er sich nicht auf Details konzentrieren, werden die intensiven und farbenfrohen Landschaf, die Laine darstellt, luftig und ätherisch. Die Atmosphäre ist sehr nordisch, aber gleichzeitig ein universelles Bild einer archetypischen Landschaft, in der sich der Betrachter verlieren kann.

Jen Hamilton (CAN)
In ihren grafischen Drucken schafft Jen Hamilton häusliche Strukturen, indem sie ihre eigenen alten Bilder, Zeichnungen und Radierungen zerreißt, um etwas Neues zu schaffen. Es ist eine Untersuchung des Konzepts von „Heimat“ und den damit verbundenen Opfern. Hamilton bezieht sich in ihrer Arbeit auf ihre eigenen Erfahrung mit ihrer Mutterschaft, während sie versucht, eine Kunstpraxis aufrechtzuerhalten. Ihre Arbeiten haben eine Einfachheit, in der sie den negativen Raum und die kräftigen Farben und Druck Fragmente kontrastiert. Die Strukturen, die sie schafft, sind eine intime Visualisierung der Zusammenstöße, die zwei Liebende schaffen können.

Katsuko Ono (JP)
Die japanische Künstlerin Katsuko Ono hat bereits Radierungen für Kinderbücher geschaffen. In ihren verspielten, an Schattentheater erinnernden Arbeiten, gibt es aber auch ein unheimliches Gefühl in der Dunkelheit des Hintergrundes, wo Kreaturen und Gefahren zu lauern scheinen. Ihre Arbeiten sind Einblicke in eine mythische Geschichte, die die Fantasie des Betrachters anregt und uns in Onos Märchenwelt entführt.

Kseniya Vysotskaya (PL)
Die verspielten, einfachen Holzschnitte von Kseniya Vysotskaya haben einen dynamischen Ansatz konkreter Figurationen, der sich durch Wiederholung in Muster verwandelt. Mit Tieren als Motiv und Hintergründe, die Bewegung schaffen, wird der Betrachter zur spannenden Jagd in die Wildnis eingeladen.

Maud Laurent (DE)
Maud Laurents Werke erforschen den menschlichen Körper. Laurent zeigt die dynamischen, zarten Linien des Körpers, um intime, einladende, aber auch ausdrucksstarke Bilder zu schaffen. Sie spielt mit Stimmungen, Körperpositionen, Alter und Geschlecht, ohne den Körper zu personalisieren, sondern lässt diesen für sich sprechen.

Paula Gallardo (SP)
Paula Gallardos Werke sind geprägt von ihrer Erfahrung als Frau in der heutigen Gesellschaft. Indem sie intime Körperteile durch eine Linse fragmentiert, hinterfragt sie die Sexualisierung von Frauen und fordert auch unsere Rolle als anonymisierte Zuschauer und unser visuelles Vergnügen heraus. Auf diese Weise lädt uns Gallardo ein, unsere eigenen sexuellen Grenzen zu entdecken.

Piotr Żaczek (PL)
Piotr Żaczek strebt in seinen Arbeiten nach Einfachheit und Synthese. Er arbeitet mit Struktur, Farbe, Themen und Wiederholungen, um minimalistische Drucke zu schaffen. Das Ergebnis ist lebendig, faszinierend und geheimnisvoll. Żaczek scheint bei der Verwendung von Zeichen und Symbolen einen fast anthropologischen Ansatz zu haben, der es dem Betrachter erlaubt, die Werke zu hinterfragen und zu interpretieren.

Ryan Falzon (MLT)
Ryan Falzon arbeitet in verschiedenen Techniken wie Linoprint, Monoprints, Collagraph, Siebdruck und Aceton. Seine Holz und Linolschnitte sind gekennzeichnet von kontrastierende Farben mit einem rohen und kühnen Strich.Die Arbeiten sind eine Hommage an die unbeschwerte, aufregende und gesetzlose Jugend mit ihren ausdrucksstarken Linien und einfachen Figuren.

Yordanis García Delgado (CU)
Yordanis García Delgado benutzt oft die Figur seines Halbbruders, um die Kämpfe, Sorgen und Freuden darzustellen, die er in diesem Alter durchgemacht hat. Er beschreibt diesen thematischen Ansatz so, als würde er sein Leben durch seinen kleinen Bruder wieder ins Leben rufen. García Delgado verwendet Radierung und Lithografie, um ergreifende Bilder in aktuellen, urbanen Umgebungen zu schaffen.

Masaaki Sugita (JP)
Die detailgetreuen und fast absurden Arbeiten von Masaaki Sugita erinnern an die Werke von Salvador Dali und an Alice im Wunderland – ein Märchenland.
In seinen Drucken reist Sugita in eine fieberhafte, aber wunderschöne Traumlandschaft, in der das Beunruhigende  und das Unbewusste sich zu einer faszinierenden Geschichte vermischen. Sugita verwendet eine der ältesten Techniken der Druck Grafik – Kupferstich mit Burin, ein historischer Faktor, der sich in seiner grandiosen Technik und seinem definierten Ausdruck wieder findet .

Richard Hricko (US)
Richard Hricko beschäftigt sich in seinem Ausdruck mit der Synthese verschiedener Materialeigenschaften. Er schafft eine komplizierte, detaillierte Photogravure, bei der ein gedämpftes Licht ein atmosphärisches Gefühl von stillem Geheimnis erzeugt. Der Hyperrealismus seiner Nahaufnahme funktioniert dort, wo er Natur und architektonische Elemente verbindet und so fast abstrakte Fraktale entstehen lässt.

Baukje de Loos (NL)
Der Ausdruck der klassischen Kunst trifft auf Alltagssituationen in de Loos figurativen Arbeiten. Sie spielt mit Texturen mit verschiedenen Drucktechniken wie Radierung, Aquatinta, Mezzotinte und Kaltnadel auf dem gleichen Druck. Ihre Arbeiten sind delikat und haben ein luftiges, leicht verblasstes Gefühl, da sie eine zarte, helle, graue Farbskala verwenden.

Pablo Querea (MEX)
Pablo Querea verwendet Radierungen, um beunruhigende Porträts zu schaffen. Mit einem fast respektlosen Ansatz übertreibt er Teile des Gesichts, um ihre Ausdruckskraft zu verändern. Querea Werke zeigen, wie Persönlichkeit durch universelle Gesichter gelesen werden kann. Die porträtierten Figuren können von überall auf der Welt stammen, und nur durch ihre Existenz kommentieren sie die Gemeinschaft der Menschheit.

Karol Pomykała (PL)
Karol Pomykałas setzet eine schwarz-graues Farbskala ein mit der er minimalistischen Landschaften gestaltet und strukturiert , die jenseitig und fast fremdartig wirken. Seine Werke erinnern unter anderem an die Bauhaus-Bewegung und besitzen auch einen feinen Sinn für Humor. Er verwendet Licht und Schatten, um ein Universum zu schaffen, das sich weit außerhalb des Rahmens ausbreitet.

Artur Popek (PL)
Artur Popek schafft imaginäre Maschinen, Tiere und Orte, die die Phantasie des Betrachters anregen. In seiner Verschrobenheit und Detailliertheit bringt er das Kind in uns zum Vorschein, und versetzt uns zurück in eine Zeit, in der unsere Phantasie uns weit weg vom Alltag brachte. Popek ist neugierig und fragend in seinen Drucken und hinterlässt uns mit Verwunderung.

Ariadne Pediotaki (GR)
Ariadne Pediotaki beschäftigt sich in ihrer Kunst mit dem Geschlecht und der Wahrnehmung des Körpers. Sie spricht Tabus an und zeigt sie deutlich und ohne irgendwelche Vorbehalte oder Präambeln, wobei sie einen persönlichen, aber auch zugleich politischen Standpunkt einnimmt. Ihre Figuren erinnern den Betrachter an gängige Comics, die typische Kämpfe des Alltags beschreiben.

Philipp Haucke (DE)
Die Arbeit des Künstlers Philipp Hauckes basiert auf der Natur oder ihrer Interpretation in einen kulturellen Kontext. Er spielt mit subtilem Licht, Tierfragmenten und dunklen Hintergründen, um geheimnisvolle, intime und poetische Kompositionen zu schaffen. Haucke arbeitet vor allem in den Bereichen Mezzotinto und Radierung, um detailreiche Arbeiten zu schaffen, die der Fantasie freien Lauf lassen.

Dennis McGinnis (US)
Dennis McGinnis Werke nehmen einen eindeutigen politischen Standpunkt ein. Eine sehr leichte und luftige Technik trifft auf einen thematischen Ansatz von erschreckenden Figuren des Todes und des Krieges. Die gas-maskierten menschlichen Figuren werden für den Betrachter distanziert und entpersönlicht. Sie scheinen Einsamkeit und Hoffnungslosigkeit auszustrahlen und stellen damit wichtige gesellschaftskritische Fragen zu unserer Zeit.

Peter Boyadjieff (CAN)
Peter Boyadjieff geht in seinen Drucken spielerisch und humoristisch auf Alltagsgegenstände ein. Er schildert das Unerwartete, indem er verschiedene Objekte nimmt und sie in ein aktuelles Stillleben implementiert. Boyadjieff verwendet schrille, künstliche Farben, kombiniert mit delikaten Grautönen, um befreiende, humoristische und gleichzeitig soziale Kommentare zu visualisieren.

Christina Elvira Godsk (DK)
Godsk Collage-Prints weisen auf Street Art, Expressionismus und Art Brut hin. Ihre Arbeiten sind naiv in ihrem Ausdruck und haben eine wechselseitige Erzählung, die die Interaktion zwischen ihren Werk Serien schafft. Indem sie Karten in ihre imaginären Landschaften einfügt, hinterfragt sie ebenfalls unsere geografische Verbundenheit und Erinnerung.

Georg Bothe (DE)
Die kräftigen kräftigen Farben und zarten Strukturelemente der Gravuren von Georg Bothe schaffen Räume und Oberflächen, die den Betrachter an Stoff oder etwas Besticktes erinnern. Bothe spielt mit Transparenz und einem Licht, das von der Arbeit selbst ausgeht. Er appelliert an unsere Freude an Farben und Strukturen, ohne deren Raum genauer zu definieren.

Pete Rangel (US)
Die starken, dunklen und naiven Figuren von Pete Rangel erinnern fast an rituelle und zeremonielle Masken. Rangel verfolgt einen anthropologischen Ansatz bei der Darstellung seiner verdrehten Figuren, die in ihrer Einfachheit das erzählerische Element des Werks sind. Die Holzschnitte haben eine kindliche und spontane Qualität, die uns daran erinnert, warum die Volkskunst überlebt hat.

Randi K Emblem (NO)
In ihren Siebdrucken spielt Randi K Emblem mit den Ausdrucksformen der Pop Art. Die intime Annäherung, die sie einnimmt, erinnert uns an verblasste Kindheitserinnerungen. Die Kombination von Motiv und Technik ergibt ein zartes, fesselndes Bild, das Raum lässt, der vom Betrachter ausgefüllt werden kann. Die porträtierten Figuren werden universell, berührend und einladend.

Łukasz Koniuszy (PL)
Łukasz Koniuszy verwendet Intaglio, um verfallene, leere Orte, die vergessen zu sein scheinen, als monolithische Monumente der Stadt darzustellen. Koniuszy geht in seinem klassischen und delikaten Zugang von Räumen, Gebäuden und den dahinterliegenden Geschichten aus. Seine Arbeit spornt die Phantasie an und lädt uns ein, den Geist und die Seele der Orte zu entdecken.

Agata Ciesielska (PL)
Agata Ciesielskas Arbeit hat einen starken Hintergrund in gesellschaftskritischen Themen wie Geschlecht und Sex. Sie hat in der Vergangenheit traditionellere Techniken verwendet, experimentiert aber jetzt mit dem Digitalen. Ihre ausdrucksstarken Werke zeigen Identitätsfragen, persönliche Kämpfe und Machtverhältnisse wieder, und indem sie sich selbst spiegelt, spiegelt sie uns alle.

Regina Stiegeler (DE)
Regina Stieglers Arbeit konzentriert sich auf Form, Struktur und Dynamik. Ihre Arbeit vibriert wie elektrisch und die Wirkung ist subtil und hypnotisierend. Ihre Motive scheinen etwas zu sein, das man unter einem Mikroskop sieht, und einige Bilder verbleiben auf der Netzhaut. Ihre Arbeiten zeigen Details, die sich verändern, wenn sie vergrößert werden. Sie visualisieren einen Mikrokosmos, der uns vollständig anzieht und uns an einen Ort transportiert, an dem wir die Außenwelt vergessen.

Margot Myers & Lisa Turner (US)
Myers und Turner haben gemeinsam Siebdrucke hergestellt, in denen Fotos und Muster umgesetzt werden,diese würdigen Menschen, die um die Jahrhundertwende gelebt haben. Handgefertigte Stickereien, einheimische Tierwelt und die vergessenen Geschichten aus der Vergangenheit spielen zusammen, um eine intime Erzählung von Erinnerungen und unserer Geschichte zu schaffen, die mit zeitgenössischen Augen gesehen wird.

Ximena Bórquez (CHL)
Ximena Bórquez ‚Arbeiten zeigen subtile Bewegungen, durch Farblinien die übereinander lagern und wechselnde optische Täuschungen kreieren. Bórquez verwendet die gegenseitige Beziehung zwischen Farben, in der sich einige anziehen und einige sich abstoßen und abhängig voneinander Bewegung und Raum schaffen.

Mehdi Darvishi (IR)
Der iranische Künstler Mehdi Darvishi bezieht sich in seinen Tiefdrucken auf aktuelle Situationen von Kriegsleid. Die beunruhigenden Bilder sprechen von politischer Ohnmacht und Trauer über anscheinend unscheinbare Körper. Darvishi nimmt einen starken politischen Standpunkt in seiner Arbeit ein, wo er klassisches Geschichtenerzählen verwendet, um eine leise Trauer darzustellen, die mit den explosiven Gefühlen des Verlustes kontrastiert.

Jaco Putker (NL)
Jaco Putker spielt mit digitalen Veränderungen und traditionellen Techniken, um humoristische Szenen zu schaffen, die an die Fotografie des 19. Jahrhunderts und viele andere historische Epochen erinnern. Putker verwendet das Absurde, um eine surrealistische, magische Welt der mit Objekten überladenen Phantasien darzustellen. Seine eindringlichen Drucke erzeugen Neugier und den Wunsch, mehr von seiner Arbeit zu sehen.

Søren Bjælde (DK)

Søren Bjælde setzt alltägliche Erfahrungen und Erinnerungen in seinen in Holz geschnitzten Geschichten um. Neben bunten und erzählenden Holzschnitten befasst er sich auch mit Zeichnung, Malerei, Keramik und Buchillustrationen. Bjældes Arbeit basiert auf sehr breiten Inputs; alles von Comicstrips bis zu mittelalterlichen Handschriften. In seinem Ausdruck finden sich Spuren von Art Brut und Street Art. Die Geschichten, die er erzählt, können von jedem wiedererkannt werden und lassen den Betrachter hoffentlich mit einem Lächeln im Gesicht zurück.