Internationale Ausstellung „Miniprint 2018“
Amin-Hassanzadeh (IR), Annu Gupta (IN), Consuelo Barbosa (CO), Blaze Cyan (UK), Brandon Williams (US), Brenton Good (US), Bruno Nadalin (US), Chang Ling-Hsiang (TW), Cleo Wilkinson (AU), Cynthia Back (US), David Avery (US), Durgadas Garai (IN), Ekaterina Vopiyashina (RU), Ellen Rouppe (NL), Eric Mummery (CA), Gervasio Robles (AR), Gladys Bregeon (FR), Hui Ann (CN), Hyun-Jin Kim (KR), Iris Trostel (DE), Jacob Muldowney (US), James Michèle (FR), Kim Mclauchlan (PE), Koosha Moossavi (IR), Lucas Naganuma (BR), Manizheh Nezhad (IR), Marcelle Hanselaar (NL), Nazli (IR), Nicholas Wilson (US), Paula Gallardo Sánchez (ES), Robert Kelly (IE), Ruth Kalla Ungerer (US), Scott Fisk (US), Tallmadge Doyle (US), Thamrongsak Nimanussornkul (TH), Tongwei Zhang (US), Ute Braatz(AU), Valerie Syposz (CA), Wei Yuhang (CN), Wenjie Chen (CN), Xecon Uddin (FR)
Die Open Call Mini Prints Ausstellung ist eine jährliche Grafikausstellung mit internationaler Teilnahme. Aus mehr als 350 Bewerbungen wurden die teilnehmenden Künstler ausgewählt.Die Künstler, die in dieser Ausstellung vertreten sind, präsentieren eine breite Palette verschiedener Grafiktechniken und -stile, die traditionellen Techniken wie Holzschnitt, Radierung und Mezzotinte umfassen, aber auch neuere Methoden, die durch die digitale Entwicklung ermöglicht werden. Mit globalen Einflüssen garantiert die Show eine varierte Auswahl von Werken, die Geschichten sowohl auf individueller als auch auf allgemeiner Ebene darstellt. Die Stärke dieser Ausstellung liegt in ihrer Vielseitigkeit, den gezeigten technischen Fähigkeiten und Geschichten die erzählt werden.Es ist es eine günstige Gelegenheit Ihr Netzwerk mit anderen nordischen und deutschen Künstlern, die auch mit Grafik arbeiten, auszubauen.
Ekaterina Vopiyashina (RU): Ekaterina Vopiyashina ist eine junge russische Künstlerin, die heute in Kanada lebt. Der Linolschnitt ermöglicht ihr, die Verwendung von Blockfarben und die Möglichkeit Blindprägungen zu erforschen. Als eine Technik, die das Unsichtbare nachahmt, funktioniert die blinde Prägung als eine Metapher dafür, wie die von der Mehrheit von Frauen erwartete manuelle Hausarbeit von der Gesellschaft selten anerkannt wird. In ihren Arbeiten konfrontiert sie ihre eigenen Kindheitserfahrungen, und die Arbeit des Scheidens dieser Bilder dient als Übung zur Akzeptanz dieser Realität.
Scott Fisk (US): In seinen minimalistischen Drucken greift Scott Fisk auf antike Holzblöcke und Buchdrucktechnik zurück, um deren verblassten Effekt zu erzielen. Das Ergebnis ist eine spielerische Verwendung von Farbe durch Schichten, die einen subtraktiven Lichteffekt bilden und neue Farben schaffen. In Anlehnung an das Design der Drucke der Mitte des 20. Jahrhunderts sind diese Grafiken von einfachen geometrischen Formen inspiriert. Der Betrachter ist eingeladen das faszinierende chromatische Design zu entdecken, das durch die Holzstruktur verstärkt wird.
Lucas Naganuma (BR): Dieser junge brasilianische Künstler bringt nicht nur das Anzeichen von großem Können, sondern auch eine persönliche und expressive Herangehensweise an die narrativen Themen und Komposition in seinen Werken. Seine fesselnde Erzähltechnik schiebt die Aufmerksamkeit auf die Details. Ausgehend von seinen eigenen Erfahrungen konzentriert sich Lucas auf die kleinen Geschichten des täglichen Lebens in einer Großstadt und verwendet einen Comic ähnlichen Stil, um dieses Gefühl einzufangen
Cleo Wilkinson (AU): Cleo Wilkinson ist eine australische Künstlerin, die sich leidenschaftlich mit der Mezzotinttechnik beschäftigt. Diese Drucktechnik gibt Cleo die perfekte Gelegenheit, um das Licht und dessen Abwesenheit zu erkunden. In ihren Arbeiten fängt das aus der Dunkelheit austretende Licht starke Gefühle der Einsamkeit, Leere und Stille ein. Das Hervorheben der Singularität des Moments, fast wie ein kristallisiertes Gefühl, verleiht dem Bild eine gedächtnis tragende Qualität, in der die Details der Umgebung im Schatten verschwinden.
Blaze Cyan (UK): Blaze Cyan ist eine britische Künstlerin, die in London lebt. Sie arbeitet mit den Radierung und Holzschnitt, und ihr hauptsächlicher Themenbereich ist Landschaft. Cyan hat eine besondere Faszination für alte Bäume, wie diese menschliche Zeitauffassung vermitteln und für die natürliche Schönheit ihrer Stämme. Ihre Grafiken stellen die Bäume in einem grellen Licht dar, unter Anwendung von einem starken Schwarz-Weiß-Kontrast. Dieser monochromatische Wert betont die Textur und die verdrehte Form des Baumes.
Nazli (IR): Nazli ist eine iranische Künstlerin, die in den USA lebt. Sie ist eine Kinderbuchautorin und Illustratorin. Die Charaktere, die Nazli uns präsentiert, sind Mashi und Mashianeh, der erste Mann und die erste Frau in der persischen Mythologie. Sie übersetzt diese mythologischen antiken Themen in die heutige Zeit und hat keine Angst davor, die Figuren von Details zu befreien, um eine Einfachheit in der Formsprache beizubehalten, und sich damit auf die Erzählung konzentrieren zu können.
Amin-Hassanzadeh (IR): Amin Sharif ist Autor und Illustrator von Kinderbüchern. Mit einer offensichtlichen Präsenz von Humor und starkem Geschichtenerzählen werden uns Sharifs Arbeiten durch klare Linien, opake, gedämpfte Farben und Muster präsentiert. Sharif verdreht die Perspektive im Bild, indem er die Komposition mit wenigen geometrischen Linien steuert. Die Figuren, die er zum Leben erweckt, sind direkt von seinem kulturellen Erbe inspiriert. Diese hybriden und mythischen Kreaturen stammen aus der iranischen Symbologie.
Manizheh Nezhad (IR): In der Serie The Crying Game konfrontiert uns Marcelle Hanselaar, eine niederländische Künstlerin, mit verschiedenen Situationen, die menschliche Grenzen überschreiten. Sie bringt Taten ans Licht und enthüllt Geschichten über Gewalt und Krieg und die daraus resultierenden Auswirkungen auf unschuldige Menschen. Hanselaar arbeitet hauptsächlich in schwarz und weiß. Die Kraft der Linie, die durch den Säurebiss in der Platte erzeugt wird, drückt das Drama und die Rohheit ihres Themas aus. Obwohl sie empathisch ist, kanalisiert ihre rebellische Natur in ihren Drucken einen dunklen Humor.
Wenjie Chen (CN): Wenjie Chen verführt den Betrachter mit seinen grafischen Drucken, die Romantik ausstrahlen. Surrealistische Formen in Pastellfarben bilden eine chromatische Traumlandschaft. Diese Werke lassen sich von den ersten Möglichkeiten des vektoriellen Designs inspirieren, die durch die aufkommende Computerzeit in den achtziger Jahren und den berühmten italienischen Memphis-Stil ermöglicht wurden. Die Drucke von Chen sind stark digital inspiriert und geben uns einen ruhigen und kontrollierten Zugang zu diesem Retro-Thema.
Brandon Willams (US): Der in den USA geborene Künstler Brandon Williams arbeitet in der Druckgrafik, insbesondere mit Tiefdruck. Seine Arbeiten zeigen ein großes Interesse an Präzision und Details. Seine architektonischen Konstruktionen ohne menschliche Präsenz lenken die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die subtilen und komplexen Texturen und Muster. Diese hypnotischen, fast meditativen Räume ähneln einem Zen-Garten, der bei Bedarf umgestaltet werden kann. Dieser mehrdimensionale Aspekt ist beabsichtigt in dem Sinne, dass unterschiedliche Perspektiven auftauchen, wenn der Betrachter das Werk um seine eigene Achse dreht.
Xecon Uddin (FR): In seiner Arbeit sucht Xecon Uddin nach seinen kulturellen Wurzeln. Als ästhetische Lösung verwendet er Hybriden von Menschen und wilden Tieren, die von Naturelementen eingerahmt werden, und zeigt damit sein Bedürfnis, mit der Erde verbunden zu sein. Uddins ständige Suche nach dem zentrierten Selbst ist ein moderner Geisteszustand, den Uddin in seiner Arbeit umzusetzen scheint. Beeinflusst von Mainstream-Bildern und Folklore ist es für den Betrachter leicht, eine emotionale Verbindung zu diesen scheinbar anonymen Charakteren herzustellen.
Ellen Rouppe (NL): Ellen Rouppe ist eine niederländische Künstlerin, die in Paris lebt. Sie hat ihre künstlerische Sprache entwickelt, indem sie mit verschiedenen grafischen Techniken experimentierte, wobei sie sich hauptsächlich auf ein Thema konzentrierte: den Ozean. Sie scheint sich für dieses Thema zu interessieren, weil es sich verändern, bewegen und erneuern kann. Das Meer hat sowohl lebende als auch leblose Objekte, einige verloren, einige warten darauf, gefunden zu werden. Für Rouppe gibt es Texturen, Lichter und Geheimnisse, die unendlich viele Möglichkeiten bieten, um die Bildsprache des Werkes zu erkunden.
Eric Mummery (CA): Eric Mummery ist ein kanadischer Künstler. Die vorgestellten Holzschnitte sind Teil einer fortlaufenden Serie, in der die visuellen Fähigkeiten von starkem Schwarz-Weiß Kontrasten in einer grafischen Sprache untersucht werden. Die Drucke präsentieren oft spiegeln-ähnliche Kompositionen mit geometrischen Elementen, kombiniert mit einem rhythmischen Hintergrund von Mustern, die durch Kontraste verstärkt werden. Mummerys Drucke besitzen eine starke affinität zu seiner Heimat, indem er sich für die Verwendung lokaler, natürlicher Rohstoffe entscheidet.
Paula Gallardo Sánchez (ES): Paula Gallardo Sánchez’s Arbeit wird durch die Erfahrungen definiert, die sie als Frau in der heutigen Gesellschaft erlebt. Gallardo Sánchez hat eine Serie figurativer Arbeiten geschaffen, die die verborgene Schönheit des Alltags offenbaren. Sie verwendet einen naiven Karikatur ähnlichen Stil in ihrem intimen Familienbuch. Sie porträtiert den Zustand des Menschen durch ihre eigenen Erfahrungen und beschreibt Gefühle wie Schmerz, Angst, Freude und Ruhe.
Bruno Nadalin (US): Bruno Nadalin ist ein US-amerikanischer Künstler, der in New Jersey lebt und arbeitet. Die Drucke stammen aus einer Serie, in der Nadalin sowohl Radierung als auch Aquatint verwendet. Er schafft Allegorien, die den menschlichen Zustand mit Hilfe eines dunklen, verdrehten Universums unter Verwendung grober Linien und unverhältnismäßiger Körper erforschen. Seine fiktiven Charaktere leiten sich von kafkaschen Einflüssen ab, wobei der Schwerpunkt auf dem Grotesken liegt. Ein wiederkehrendes Element, die Zikaden, sind Insekten, die mit geistiger Verwirklichung, Auferstehung und Unsterblichkeit verbunden sind.
Wei Yuhang (CN): Wei Yuhang ist ein junger chinesischer Künstler. In seinen Arbeiten verwendet Wei mehrere Farb- und Strukturschichten, um Eindrücke einer mikroskopisch kleinen emotionalen Atmosphäre zu erzeugen. Die sensiblen Farben, die zarten Texturen und die Komposition laden den Betrachter in einen fortlaufenden Faden von Gesprächen oder impulsiven Gedanken ein. Diese mentalen Landschaften ermöglichen es uns, mitzufühlen, denn wir können alle mit einem Gefühl des Nachdenkens oder des Versuchens, einen inneren Frieden zu finden, in Verbindung treten.
James Michèle (FR): Michèle James ist ein französischer Künstler, die sich fast ausschließlich auf Gravuren konzentriert. Ihre Drucke liefern ihre eigene Interpretation der Beziehung zwischen Mensch und Natur, präsentiert in farbigen Nahaufnahmen von Bodenschichten. Die Kombination von Schriftzeichen, Menschen, Tieren und Objekten bietet die Möglichkeit, die Grenzen zwischen Abstraktion und Figuration sowie die Beziehung zwischen Form und Symbol zu untersuchen.
Koosha Moossavi (IR): Koosha Moossavi ist ein iranischer Künstler, der zwischen Teheran und Berlin lebt. Seine Werke beinhalten eine besondere Spannung und Dunkelheit, aber auch Mut. Starke Themen wie Tod, Völkermord, Spionage, sich Verstecken zu müssen werden hier bearbeitet, und sind für Moossavi eine offensichtliche Notwendigkeit, die in seinen Drucken ihre Form findet, kühn und widerspenstig und immer noch aktuell. Moossavi arbeitet hauptsächlich mit Radierung und Aquatinta. Er benutzt besonders den Schwarz-Weiß Effekt als Ausdrucksmittel, um düstere und beunruhigende Bilder zu kreieren.
Chang Ling-Hsiang (TW): Die monochromen Kompositionen des taiwanesischen Künstlers ziehen die Augen des Betrachters in die komplexe Traumwelt, die er kreiert. Flora und Fauna spielen eine Hauptrolle, welche die menschlichen Figuren und die geometrischen Texturen im Hintergrund symbiotisch beeinflussen. Es ergibt ein unterhaltsames verlorenes und gefundenes Spiel mit den Charakteren. Darüber hinaus schafft das detaillierte Werk des Künstlers eine dreidimensionale Präsentation, die dem Betrachter einen Eindruck von Tiefe vermittelt, als wäre die Bewegung im Stillstand gefangen.
Gladys Bregeon (FR): Gladys Bregeon ist eine französische Künstlerin, die sich auf Drucktechniken und Künstlerbuch Ausgaben spezialisiert hat. Bregeon hat einen performativen Ansatz zu jedem Aspekt ihrer Arbeit, was bedeutet, dass alle beteiligten Prozesse und Elemente das Endergebnis beeinflussen. Das Papier, die Farbe oder das Fehlen davon sind beabsichtigt. Es werden genaue Darstellungen weiblicher Körperteile mit poetischer Qualität präsentiert. Bregeon nutzt die Blindprägung, wo Farben oder ein einfacher und klarer Hintergrund dazu beitragen, subtile, aber auch überraschende Kompositionen zu kreieren.
Brenton Good (US): Brenton Good ist ein US-amerikanischer Künstler. Seine Monoprints präsentieren die Einfachheit in architektonischen Strukturen, wie zum Beispiel Bürogebäuden, die wir oft in unseren Städten sehen. Good spielt elegant mit den Farben, Blau ist die bevorzugte Farbe, im Gegensatz zu dem warmen Ton von Ziegeln. In dieser Serie erfasst der Betrachter die methodische Wiederholung in den Kompositionen.
Ute Braaz (AU): Ute Braaz ist eine australische Künstlerin. Braaz fokussiert darauf, mit sicheren, ungiftigen Drucktechniken und Materialien zu arbeiten. Ihre Ikonographie zeichnet sich durch die einfache Verwendung von Farben und natürlichen Elementen aus, während sie mit Neugier die Welt erforscht. Braaz´s gezeigte Wesen, die mit Schädeln anstelle von Köpfen dargestellt werden, mahnen das nahe Ende des Menschen, während diese versuchen ihr eigenes Schicksal bestimmen. Sie spielt mit diesen unorthodoxen, aber vertrauten Darstellungen und hinterfragt menschliche Praktiken, die zum Aussterben der Bienen und dem Überfischen führen.
Consuelo Barbosa (CO): Die kolumbianische Künstlerin Barbosa Consuelo lebt und arbeitet in Paris. Consuelos Grafiken spiegeln ihr Interesse für industriell gefertigten Metallkonstruktionen wieder. Die anonymen Strukturen – Wasserspeicher – sind in jeder Stadt zu finden. Die Künstlerin verwendet für jedes Bild eine andere Farbabstufung, um die Singularität der Struktur hervorzuheben. Eine starke Pop-Art-Referenz offenbart sich in der Wiederholung und Verwendung von Farben,und die subtile Farbgebung und die feinen Linien verleihen den Strukturen eine Zerbrechlichkeit, ohne deren Größe und Gewicht zu beeinflussen. Tatsächlich wird die Bedeutung der Wasserreservoirs durch die Verwendung eines bewusst angelegten niedrigem Winkel gezeigt.
Hui Ann (CN): Hui Anns Arbeit konzentriert sich auf Kindheitserfahrungen. Das Hauptthema ist die Einsamkeit und Erkundung der allein verbrachten Zeit in damaligen imaginären Welten. Die Erinnerungen sind relativ und nicht ganz genau, ebenso die Werke von Ann. Das Mädchen in den Bildern trägt einen Overall mit schwarzen und weißen Streifen. Die Künstlerin sieht sich selbst als Gefangene auf der Suche nach einer Fluchtmöglichkeit. Die Komposition dient als Metapher für das imaginäre Gefängnis, gekennzeichnet durch die verwendete Geometrie.
Valerie Syposz (CA): Die Holzschnitte von Valerie Syposz sind voller Gefühle. Die kanadische Künstlerin konzentriert sich auf den Menschen und dessen Kampf mit den inneren Gedanken. Die Vorstellung von der menschlichen Existenz wird visuell verstärkt, indem auf Renaissance-Skulpturen der humanistischen Zeit verwiesen wird. In Syposz’s grafischen Arbeiten wird der Betrachter mit der Wahrnehmung des Selbst konfrontiert, aber auch dem projizierten Selbst und wie andere jenes tatsächlich wahrnehmen. Die Drucke erzählen eine Geschichte von Einsamkeit, Stereotypen und Vorurteilen.
Iris Trostel (DE): Iris Trostel ist eine junge deutsche Künstlerin mit hispanischen Wurzeln. In der Serie „Immaculata“ lässt sich Trostel von den großen Meistern (Velásquez, Dürer, Leonardo, Caravaggio…) inspirieren und reflektiert dabei über zeitgenössische soziale und geschlechtsspezifische Konstrukte. Die Jungfrauen stehen für Reinheit, ihre Schönheit unberührt, ihr Ausdruck immer noch traurig oder nachgiebig. Die Rolle einer Frau in der Gesellschaft wird häufig durch diese Merkmale definiert. Die Tatsache, dass die Darstellungen nur mit der Farbe Rot ausgeführt wurde, kann eine gewisse Abneigung hervorrufen, da es sich auch auf weibliche Symbole wie das jungfräuliche Blut, Symbol der Fruchtbarkeit, beziehen kann.
Nicholas Wilson (US): Der amerikanische Künstler Nicholas Wilson verwendet Motive der Natur, um in seinen Druckgrafiken seine Leidenschaft für die Natur zum Ausdruck zu bringen. Holz als Rohmaterial für die Druckplatten angewendet ist schwer zu kontrollieren, und Wilsons Drucke demonstrieren trotzdem eine große Präzision und Liebe zum Detail. Die fast dekorativen Drucke erinnern an die Märchenillustrationen, die wir als Kinder immer und immer wieder anschauten. Diese verzauberten Kompositionen zeichnen sich gleichzeitig durch einen kraftvollen Realismus und der Anwesenheit von Stille und gleichzeitig einem Gefühl von Aufstand aus.
Durgadas Garai (IN): Durgadas Garai ist ein indischer Künstler, der mit Holzschnitt und Radierung arbeitet. Seine Arbeiten dienen als Werkzeug, um die Tragödie einer Wasserkrise zu überdenken. In diesen Drucken zeigt Garai Bilder mit dunkelgrauen Farben, die von starken Blut-Rot-Tönen kontrastiert werden. Wasserrohre und Wasser sind in einem kraftvollen Winkel positioniert, während die Opfer der Krise scheinen hilflos zu sein. Gleichzeitig spielen die Opfer eine zentrale Rolle in der Komposition und schaffen für den Betrachter ein unvermeidliches, qualvolles Schauspiel.
Cynthia Back (US): Cynthia Back ist eine US-amerikanische Künstlerin. Sie lebt auf dem Land, umgeben von luxuriöser Natur und Landschaft, die sie in ihre Werke einbringt. In Backs Drucken wird die Liebe zu den Elementen der Natur durch helle Farben in den Fokus des Betrachters gerückt. Back kreiert üppige Muster, die jeden Stein, jedes Blatt, jede Wolke wahrnehmen lassen. Diese Drucke imitieren perfekt das Eintauchen in die Landschaft. Der aufmerksame Betrachter wird er eingeladen die Fragilität der Natur zu betrachten, die Auswirkungen des Menschen und den Klimawandel in der Natur zu beobachten und zu analysieren.
Jacob Muldowney (US): Jacob Muldowney verwendet u.a. Familienfotos und gefundene Bilder, um Kriegsgeschichten und deren Auswirkungen auf ältere Generationen zu erzählen. Er bearbeitet Themen bewaffneter Konflikte, um jüngere Generationen auch heute noch an die ständige Gegenwart des Krieges zu erinnern. Mit der Verwendung dieser Bilder, die nicht für künstlerische Zwecke gedacht waren, und dem gleichzeitigen Wechsel des Mediums zielt Muldowney darauf ab, dem Bild eine neue Dimension und einen neuen ästhetischen Wert zu verleihen. Der Betrachter kann sich somit leichter mit den Kompositionen auseinandersetzen, unabhängig vom Kontext, und über die Vergangenheit reflektieren.
Kim Mclauchlan (PE): Kim Mclauchlan ist eine Künstlerin aus Lima, Peru. In ihrer Arbeit mischt sie traditionelle und zeitgenössische Drucktechniken und verwendet gerne handgeschöpftes Papier. Die feinen Texturen und Farbübergänge ermöglichen, dass ihre Drucke einen realistischen Mikrofokus eines bestimmten Material zeigen, sodass der Betrachter bekannte Formen in einer abstrakten Realität erkennen kann. McLauchlan lädt in ihren Drucken dazu ein, dass wir über diese vage Realität reflektieren.
Hyun-Jin KIM (KR): Die koreanische Künstlerin Hyun-Jin Kim kreiert sehr ausdrucksstarke abstrakte Holzschnitte. Die Künstlerin fesselt uns mit mutigen und lustigen Farbkontrasten. Koexistierende Figuren erzeugen Lücken und Farbränder, ähnlich wie zerrissenes Papier. Die abstrakten Kompositionen scheinen dann das Ergebnis eines schnellen Prozesses zu sein. Um diesen Effekt zu erreichen, ist der Prozess der Komposition und Farbschichtung jedoch gut durchdacht und sehr aufwendig.
Thamrongsak Nimanussornkul (TH): Thamrongsak Nimanussornkul ist ein thailändischer Künstler. Nimanussornkul nutzt das Siebdruckverfahren optimal aus und erzeugt feine Drucke, die zu einer komplexen Überlagerung von bis zu 20 bis 50 Farbschichten führen. Durch den pointillistischen Stil weisen die Drucke eine leichte Textur auf, die für den Seidendruck ungewöhnlich ist. Das Ergebnis sind hypnotische Punkte und überraschende Farbkombinationen. Die Komposition der Bilder wird durch den Kontrast einer kalten und warmen Farbpalette verstärkt und symbolisiert Dualität und Konfrontation.
Ruth Kalla Ungerer (US): Ruth Kalla Ungerer ist eine US-amerikanische Künstlerin, die sich darauf konzentriert, die Qualitäten der Zeichnung in ihren Drucke umzusetzen. Während wir die drei weiblichen Silhouetten betrachten, die uns präsentiert werden, sind wir eingeladen, das Bild mit gängigen, figurativen Konzepten zu verbinden, oft durch die drei Generationen vertreten: Großmutter, Mutter und Tochter. Oft werden auch die drei weiblichen Lebenszyklus oder die drei weiblichen Leiden erwähnt, die man leicht erraten kann: Jungfrau, Frau und Witwe. In der heutigen Gesellschaft werden Frauenkörper auch oft durch Büste, Taille und Hüfte definiert. Der Betrachter wird aufgefordert, über den weiblichen Körper nachzudenken.
Robert Kelly (IE): Robert Kelly ist ein irischer Künstler und arbeitet mit abstrakten und poetischen Kompositionen. Mit seinen bunten Farbwirbel vermittelt Kelly in seinen Lithographien dem Betrachter Bewegung und Farbenfreude fast wie in einem Freudentanz. Dies führt zu farbigen Gegenüberstellungen, bei denen die Elemente, die dicken und impulsiven Pinselstrichen ähneln, plötzlich lebendig wirken und miteinander interagieren. Diese Spritzer erfrischender Farbe erinnern an den Frühling; die Generation des Lebens. Das uns präsentierte Kunstwerk eröffnet uns Einblicke in die Gedankenwelt des Künstlers, in welche der Betrachter eingeladen wird am Gedankenspiel teilzunehmen.
Tongwei Zhang (US): Der amerikanische Künstler Tongwei Zhang präsentiert uns Drucke mit dem Titel „Petroglyphen“. Der Titel ist ein direkter Verweis auf die Quelle der Inspiration des Künstlers, die Kunst der primitiven Kulturen. Dies bedeutet: Bilder oder Symbole, die oft durch das Schneiden in einer Felsoberfläche entstehen. Fette schwarze Linien bestimmen die abstrakte Komposition in seinen Werken und trennen die hellen Farben. Zhang akzeptiert die Anwesenheit der Geste beim Schneiden; diese unvorsichtige und impulsive Bewegung scheint eine bewusste Entscheidung zu sein. Zhangs naive Drucke erinnern auch an Totems und Skulpturen, die eine enge Verbindung zur Natur darstellen.
David Avery (US): David Avery ist ein US-amerikanischer Grafiker in San Francisco. Wenn wir mit Averys Radierungen konfrontiert werden, haben wir auf den ersten Blick den Eindruck, dass es sich bei diesen Drucken um grafische Werke aus dem 16. Jahrhundert handelt. Bei näherem Hinschauen erkennt der Betrachter jedoch schnell, dass die verwendete Ikonografie keine klassische Bedeutung hat. Mit zeitgenössischen Industrieobjekten kreiert der Künstler seine eigene Symbolsprache. Averys Arbeiten zeigen eine moderne Zeit, die von Chaos und Angst beherrscht wird. Der Gebrauch von dunklem Humor schafft eine komische Erleichterung, die zur Überwindung dieser Gefühle beiträgt.
Manizheh Nezhad (IR): Manizeh Nezhad ist ein iranischer Grafiker. Nezhads Drucke führen uns in einen geheimen Garten, in dem verschiedene Erinnerungen ineinander übergehen. Der Protagonist ist ein Kind, und die erzählte Geschichte scheint Schmerz und Sehnsucht zu sein. Die weichen Graustufenbilder, die Nezhad mit Hilfe der Ätztechnik erstellt, werden mit starken Markierungen überlagert, als ob der dargestellte Speicher von einer rauen schwarzen Textur weggefressen wird.
Gervasio Robles (AR): Gervasio Robles ist ein argentinischer Grafiker, der in Südafrika lebt. Der Künstler verwendet die Radierung und Aquatinta-Technik. Robles scheint sich von seinem kulturellen Erbe und seiner Umgebung inspirieren zu lassen, um einen überraschenden und ironischen Ansatz für ein klassisches Thema – die Jagd – zu schaffen. In der vorgestellten Szene wird der Betrachter mit Wildtieren, Jagdtrophäen konfrontiert. Jedes Tier spielt eine andere Rolle: Manche Tiere scheinen lebendig, andere tot, andere halten Gegenstände und sind bereit, uns zu unterhalten. Alle Tiere beobachten den Betrachter. So wird die Macht des Menschen über die Natur in Frage gestellt, da der Jäger plötzlich zum Gejagten wird.
Tallmadge Doyle (US): Tallmadge Doyle konfrontiert uns in ihren Hand Kolorierten Radierungen mit imaginären Astralkarten ihrer eigenen Schöpfung. Die Kompositionen des amerikanischen Künstlers sind mit verschlüsselten Symbologien und Farbübergängen gefüllt die mit dem Betrachter zu kommunizieren scheinen. Ein geheimer Mikrokosmos offenbart eine Sprache der freien Interpretation und lädt den Betrachter zu einer visuellen Reise ein.
Annu Gupta (IN): Annu Gupta ist eine indische Grafikerin, die in Neu-Delhi lebt. Gupta arbeitet hauptsächlich mit Tiefdruckverfahren. In ihren Drucken präsentiert sie verschiedene urbane Räume. In diesen räumlichen Konstrukten verwendet Gupta Muster und architektonische Elemente, die Tiefe und Volumen schaffen. Das Bild ähnelt einer Collage, bei der Erdtöne und Elemente der Natur die Collage-ähnlichen Strukturen umrahmen, wodurch eine sorgfältig studierte und äußerst dekorative Komposition entsteht.
Künstler der Mini Prints 2014 : Mini Prints 2014
Künstler der Mini Prints 2015 : Mini Prints 2015
Künstler for Mini Prints 2017: Mini Prints 2017
